Announcing 38 Award-Winning Black & White Photographers!
“ Le iscrizioni ai LensCulture Black & White Photography Awards di quest'anno hanno dimostrato che la fotografia in bianco e nero rimane un mezzo rilevante, potente e vivace per l'espressione nel 2023. Sono rimasto incredibilmente colpito dall'alta qualità complessiva, dalla vasta varietà di argomenti e approcci, e dalla gamma espressiva trasmessa in nero, bianco e grigio. ”
picks
There is a sense of mystery within these images that is created both by the scale and the limited context within the landscape. They are full of texture but devoid of color, leaving a great sense of unknown. The images in Caldera by Andrei Bortnikau pique my curiosity. There is certainly an implied narrative within each image as told by the photographer, and for me, it seems that each narrative takes further shape in what the viewer brings to it. The images might evoke a nostalgic memory or tell a new story to each person who encounters them.
In the realm of contemporary art, Jennifer Baron’s Frozen August stands out as a profound exploration of grief, a theme that is both deeply personal and universally resonant. This project gains its importance from its ability to articulate the ineffable aspects of human experience, notably the complex process of mourning. By channeling her bereavement into a visual form, Baron not only navigates her own path through sorrow but also extends a hand to those grappling with their own losses.
The societal value of such work lies in its capacity to foster empathy and communal healing. Art has long been a medium for processing collective grief—public memorials and war photography are testament to this—and Frozen August contributes to this tradition by providing a space for shared emotional experiences. Baron’s choice of combining various media, such as photography and sketches, allows for a multifaceted dialogue between the work and its audience, enabling a cathartic interaction that transcends the limitations of verbal communication.
Baron’s work captures the beauty inherent in the human condition, even at its most vulnerable. The stark contrasts of light and shadow in her images mirror the oscillating states of hope and despair that characterize mourning. The intimacy of the project is further heightened by its autobiographical nature, as it invites viewers into the artist’s inner sanctum, laying bare the scars of her heartache.
Historically, the project echoes the sentimentality and raw emotion found in the early 20th-century pictorialist photography, where the likes of Julia Margaret Cameron and Edward Steichen used soft focus and creative printing techniques to evoke mood and feeling. Like these pioneers, Baron employs abstraction and intimate detail to convey complex emotional states. While the visual style is distinct, her work also resonates with the contemporary candid and intimate narratives found in the photography of Sally Mann and Nan Goldin, who document their private lives to powerful, sometimes controversial effect.
Frozen August is a testament to the enduring power of art to articulate the depths of human emotion, commemorate our losses, and aid us in a journey towards acceptance and peace. The project is an important cultural artifact, not just because of its aesthetic quality but also because it invites us to connect more deeply to our own humanity.
I picked Russell Monk's work as my juror's pick because the images are evocative, mysterious, and surprising. The formality and careful composition in each frame blurs the line between documentary and fine art and makes me think of how many stories and myths are layered into each image.
The photographs of Igor Malijevský give me pause, and makes me stop to look a bit more carefully at how the war in Ukraine is disrupting everyday life for ordinary people in countless ways. It’s not sensational, it’s not shocking, but it’s real. It takes hold of the qualities that only black-and-white can give you, and it presents this view of people who quietly persevere and carry on in the face of adversity. In our age of always-on media, and the immediacy of smartphone reporting, these traditional images break through the clutter and remind us of the continuous, endless sacrifices required to get through day after day in Ukraine.
Serinah Williams’ work is a captivating exercise that seeks to reveals the effects of truth, power and rights. The works raise important questions about the often-silenced histories of communities like Williams’. What histories are lost? What geographies are changed? For me, this series confronts the continued repercussions of the legacies of colonial violences that still prevail and unfold today.
Imagination that springs out of the ordinary and mundane attracts me. In this series The Peak by Jingyu Wu this can be read as a goal. The images explore mankind’s omnipresent challenge to close the gap between man and nature. Aside from my own reading, the formal approach is unassuming, and the black and white images effectively present Jingyu’s ideas and observations about the nature that exists right in front of his eyes.
Form and content are inextricably intertwined in Nicola Ókin Frioli’s powerful photographs of the struggle of indigenous Amazonians in Ecuador to protect their land, water, and way of life from further destruction by extractive industries. Each exquisitely structured composition, each choice of warm or cool black-and-white tonalities, conveys an emotional aspect of the narrative: conflict, curiosity, play, pollution, despair, pride, and tenderness. Frioli’s nuanced telling of this story conveys the complexity of these indigenous cultures, which needed to blend aspects of modernity into their traditional ways of life in order to survive.
“ Mi è piaciuto esaminare la gamma di fotografie in bianco e nero realizzate oggi. Nel complesso, il livello delle fotografie presentate era alto; hanno offerto momenti per concentrarsi, fermarsi e riflettere sulle sfumature che vediamo svolgersi intorno a noi ogni giorno. ”
La nostra Giuria Internazionale
Bindi Vora è un'artista fotografica interdisciplinare di origine keniota-indiana, docente associata presso il London College of Communication e curatrice presso Autograph, un'organizzazione artistica no-profit con sede a Londra che esplora temi di identità, rappresentazione, diritti umani e giustizia sociale attraverso la fotografia. Da quando è entrata a far parte di Autograph, ha curato Hélène Amouzou: Voyages (2023), Eric Gyamfi: Fixing Shadows – Julius and I (2023), Poulomi Basu: Fireflies (2022), co-curato Sasha Huber: You Name It (2022) Care I Contagion I Community – Self & Other (2021-2022); Lola Flash: [sur]passing e Maxine Walker: Untitled (entrambi 2019); ha pubblicato una serie di conversazioni con artisti come Sasha Huber, Mónica Alcázar-Duarte, Maryam Wahid, Tobi Alexandra Falade, David Uzochukwu tra gli altri. Ha curato indipendentemente Poulomi Basu: Centralia per Rencontres d’Arles – Louis Roederer Discovery Award (2020); Let’s Go Through This Again (2018); i suoi scritti sono apparsi in pubblicazioni di Maryam Wahid Zaibuinnisa (MAC, 2022); Another Country: British Documentary Photography Since 1945 (Thames & Hudson); FOAM e British Journal of Photography, partecipando a programmi pubblici per Tate, GRAIN Photo Hub, The Photographers’ Gallery, The Paul Mellon Centre tra gli altri. Attualmente è artista in residenza presso i National Museums NI (Ulster Museum) come parte del progetto 20/20, guidato dall'UAL Decolonising Arts Institute.
Aya Musa è curatrice presso FOAM, il rinomato museo di fotografia nei Paesi Bassi. Musa sviluppa mostre al FOAM che offrono un'interpretazione approfondita e innovativa dell'identità artistica del museo. Prima di questo, Musa è stata curatrice e responsabile della programmazione al Dutch Photomuseum. Nel suo lavoro, Musa combina sviluppi sociali con nuove forme espositive; dove la fotografia non è subordinata al contesto da cui nasce, ma allo stesso tempo non perde mai di vista questo contesto. In questo modo, dà alla fotografia un palcoscenico che va oltre i cliché esistenti.
Caroline Wall è la direttrice della Robert Mann Gallery. Si è laureata all'Università McGill con una laurea in Storia dell'Arte e ha iniziato la sua carriera nel mondo dell'arte alla O’Hara Gallery prima di unirsi al team della Robert Mann Gallery nel 2006. La Robert Mann Gallery presenta diversi artisti emergenti insieme a un impressionante elenco di superstar internazionali.
Con la galleria, Caroline ha partecipato a molte fiere d'arte nazionali e internazionali e lavora con numerosi fotografi contemporanei e patrimoni organizzando sia mostre personali che mostre di gruppo curate. Caroline è membro del Consiglio di Amministrazione di AIPAD.
Danielle A. Scruggs è una Photo Editor presso The Wall Street Journals e una fotografa e scrittrice freelance che vive a Chicago, Illinois. Si è laureata alla Howard University con una laurea in giornalismo e al Maryland Institute College of Art con un Master in Arte Digitale. Tra i suoi clienti di fotografia figurano il New York Times, AARP, Buzzfeed News, ESPN, Financial Times e il New Republic. Ha scritto di arte, cultura e cinema per RogerEbert.com, Ebony, Essence, Teen Vogue, Artsy Magazine e altre pubblicazioni. Scruggs è anche la fondatrice e redattrice di Black Women Directors, una biblioteca digitale che mette in evidenza il lavoro di donne nere e cineasti non binari in tutto il Diaspora.
Barbara Tannenbaum ha organizzato ben oltre 100 mostre durante la sua carriera di quattro decenni come curatrice e accademica. Dal 1985 al 2011, è stata capo curatrice presso l'Akron Art Museum, dove ha ampliato la collezione fotografica da 500 a 2.500 opere. Ha scritto numerose pubblicazioni, tra cui libri su TR Ericsson, Ralph Eugene Meatyard e fotolibri print-on-demand, e ha tenuto conferenze negli Stati Uniti e in Canada, Brasile e Cina. Come Curatrice di Fotografia presso il Cleveland Museum of Art, le mostre recenti e future di Barbara si sono concentrate su artisti del XIX e XX secolo, tra cui Raja Deen Dayal, fotografi Pictorialist americani, Ilse Bing, Lois Conner, Aaron Rothman, Tyler Mitchell, Matt Eich, Barbara Bosworth e Ann Hamilton.
Dopo sei anni di esperienza nella gestione museale, Gwen Lee ha deciso di seguire il suo primo amore per la fotografia e ha fondato il Singapore International Photography Festival (SIPF), il festival di fotografia più longevo del Sud-Est asiatico. Nel 2014, Lee e il suo team hanno creato DECK, un centro artistico dedicato alle arti fotografiche che offre una programmazione annuale per la comunità e programmi di residenza per fotografi. Lee ha curato oltre 60 mostre fotografiche a Singapore e all'estero. Oltre a molti altri premi e riconoscimenti, nel 2022, Lee è stata insignita del titolo di Chevalier, Ordre des Arts et des Lettres conferito dal Ministero della Cultura francese.
Jim Casper è il caporedattore di LensCulture, una delle principali destinazioni online per scoprire la fotografia contemporanea da tutto il mondo. Come membro attivo nel mondo della fotografia contemporanea, Casper organizza eventi fotografici internazionali annuali, viaggia per il mondo per incontrare fotografi e rivedere i loro portfolio, cura mostre d'arte, scrive di fotografia e cultura, tiene conferenze, conduce workshop, serve come giurato internazionale e nominatore per premi importanti, ed è consulente per organizzazioni artistiche e educative.